1 dezembro 2010 12 Festival Internacioal de Curtas Belo Horizonte, Palacio das Artes,

Curso de Introdução ao Cinema Experimenta l(1)

Considerar o cinema como uma prática artística emancipada de todo controle, afirmá-lo desdobrando as particularidades que o médium esconde, compreender e esclarecer a singularidade de atuar que ele permite, examinar as modalidades de fabricação, apresentação e distribuição dos filmes – aqui encontramos algumas das particularidades que caracterizam este espaço artístico conhecido como cinema experimental. Tal prática responde de maneira crítica ao cinema dominante, tanto pelas formas como pelos conteúdos, pelos meios de produção e as condições de exposição (distribuição e espaços de exibição). Assim definido, o cinema experimental é um cinema que abole as regras e normas do discurso cinematográfico clássico : é este o seu caráter transgressivo ou subversivo, se preferirmos o termo pelo qual optou Amos Vogel (1921), o extraordinário fundador-líder em New York do ’Cinema 16’ (1947), antecessor do « Cineastas Coop. » (1962), que antecipou, ele mesmo, o agora famoso Anthology Film Archives « (1970), ambos fundados pelo cineasta-ativista Jonas Mekas (1922)). No entanto, tal prática, encontra-se marginalizada no domínio da produção de imagens em movimento, é hoje uma forma forçada de invisibilidade. Muitas vezes, certamente, reconheçe-lhe-se uma relevância histórica, mas é então para despojar melhor as suas produções contemporâneas, as quais não parecem frequentemente corresponder ao discurso crítico do momento. O cinema experimental contemporâneo partilha com outras formas de arte viva, a particularidade de “ ilustrar-se pela sua ausência « , claramente um problema nas redes de difusão que detêm hoje o consenso estético. Como tal, ele deve se (re)definir constantemente. Por isso, é também, cada vez, simultaneamente combate e resposta. Em conseqüência, ’fazer’ cinema experimental, é reconhecer a vitalidade de uma prática menor e lhe oferecer o acolhimento de um desejo que a amplia e renova a possibilidade. Entende-se, para toda a área do cinema, a necessidade de um filme que herde explicitamente do movimento específico das vanguardas , conforme o desejo, formulado nos anos trinta, por Len Lye (1901-80) e Moholy-Laszlo Nagy (1895-1946). Fazer cinema experimental , é ser o agente desse cinema. E ser cineasta em tal campo é encontrar constantemente formas de gerar estratégias de resistência, para evitar a sua aniquilação. É também inventar as condições de uma partilha pública, diferente a cada vez, qualquer que seja a forma. Fazer cinema experimental é finalmente refletir, ao mesmo tempo, sobre uma história subavaliada, mas também, interrogar as formas desnarrativas (isto é, que rompem com os padrões históricos de narração no cinema) de um suporte linear : o filme.
Eu apresentarei aqui a performance de Hollis Frampton : uma conferência

Este espaço cinematográfico específico desenvolveu-se principalmente na América do Norte nos anos 60 e, como marcou tão bem Annette Michelson (crítica e co-fundadora da revista de October, e que nos anos 60, abriu espaço ao cinema experimental na prestígiosa revista Artforum), « A produção de cinema independente nos Estados Unidos se centra na idéia de transgressão, duplamente definida como uma celebração do erótico e a produção (antes restrita) de filmes fora do sistema industrial. » Entretanto, existe fundamento encontrar suas premissas a partir do cinema surrealista (bem como os seus seguidores), ou seja, neste cinema que fomentou a « derrota » da narrativa linear e cronológica, prejudicando ao mesmo tempo o acordo tácito entre o narração e personagem. Detecta-se a mesma coisa nos filmes Letristas de Isidore Isou (1925-2007) e Maurice Lemaitre (1926) e nos filmes situacionistas de Gil Wolman (1929-95) e Guy Debord (1931-94). Trabalhando com outros registros cinematográficos, todos os seus filmes não têm tanto por característica a forma da narrativa (que, foi pelo menos pervertida, encontrou-se, ao mesmo tempo a presa designada da crítica tradicional), mas o questionamento das formas de apresentação deste objeto que é o cinema, em seu uso industrial. Trata-se, portanto, de interrogar “a sessão”, bem como a configuração da relação induzida pelo espaço físico que é a sala, ou ainda as modalidades da gravação do suporte. Note-se que essa crítica é contemporânea dos happenings, e prenuncia o surgimento do expanded cinema (ou « cinema expandido », que incorpora a atualidade de uma performance durante a projeção – essa apresentação pode recorrer as múltiplas telas, ou as outras disciplinas artísticas), em seu questionamento dos elementos da projeção. No entanto, esses diferentes momentos do cinema experimental não são puramente político e militante : frequentemente eles prestar muita atenção ao trabalho da forma cinematográfica, explorando ou expondo zonas confidenciais, pois deriva em áreas urbanas sem objeto (como lotes de terrenos vagos).

O filme experimental têm um outro aspecto, transversal e recorrente : um interesse constantemente afirmado pelos corpos e suas capacidades muitas vezes impossíveis de antecipar. Isso traduziu-se primeiro, nos anos 1920, por um grande interesse na mecânica do corpo. O corpo-máquina se exibindo então já na tela, através da fragmentação e a redução dos corpos à alguns movimentos repetitivos. Elaborando assim um paralelo entre corpo e máquina, os exemplos mais marcantes do gênero continuam a ser o Ballet Mécanique (1924) , de Fernand Léger (1881-1955) & Dudley Murphy (1897-1968), e Impacience de Charles Dekeukelaire (1905-71). Encontra-se nos filmes de Ed Emschwiller (1925-90), este fascínio pela “maquinaria” corporal, mas apreendida segundo outras modalidades estéticas e ideológicas : saída do corpo-máquina, em favor de uma cosmogonia que só a imagem do corpo parecia-lhe capaz de invocar.
Mas este dinamismo encarnado, dispositivo bem lubrificado,, eficiente, e cuja finalidade é precisamente a fábrica de corpos mecânicos (The birth of a Robot, 1938, Len Lye), não é em nada idêntico aos que apresentam os filmes de Kurt Kren (1929-97) e Otto Mühl (1925), relativas às performances dos acionistas de Viena. E quanto às questões suscitadas pela representação da sexualidade, ela será, cada vez diferentente, o fato de cineastas como Stan Brakhage (1933-2003) e Carolee Schneemann (1939, na qual será uma tematização explícita e direta, autobiográfica), Taka Iimura (1937) ( a quem sera consagrada uma retrospectiva Galerie du Jeu de Paume em maio proximo), ou Alfredo Leonardi (1938, mais indireto, desviado). Mais perto de nós, com Kurt McDowell (1945-1987), Barbara Hammer (1939) , Jan Oxenberg (1930) ou Hiroyuki Oki (1964), podemos ver uma problematização explícita das questões relacionadas com a representação / visibilidade da sexualidade gay (segundo perspectivas de abordagem necessariamente plurais).
No entanto, o que todos têm em comum é, como se vê, o trabalho de lidar o corpo com a questão da representação e examinar os seus termos, uma vez que afeta os corpos. E o que se resulta é a aposta na crise deliberada destas noções sempre espinhosas que são o « público », o »privado », o’intimo… Ao fazer isso, todos trabalham o que é possível mostrar : nascimento, prazer, gozo, saúde, movimento, dor, morte, decomposição. Assim, nota-se que eles enfrentam, são sempre as lógicas ou as conduções tradicionais de representações, necessariamente mais organizadas.

Pela própria escolha do tema, e neste caso as representações da sexualidade dominam : o homo-erotismo em Jean Genet (1910-86), Kenneth Anger (1932), Gregory Markopoulos (1928-92), Andy Warhol (1928-87 ), Derek Jarman (1942-94), Lionel Soukaz (1953) ; afirmação de suas sexualidade s de mulheres com Carolee Schneemann (1939), Valie Export (1940), Bárbara Rubin (1945-80), Barbara Hammer (1939). Para outros ainda, é a possibilidade de mostrar uma sexualidade onde encontra-se imediatamente problématizada, ou mesmo evacuada, a norma imperativa do orgasmo (« Divirta-se ! »). Pois, assim como o desafio da reprodução (da « espécie ») é o culto dedicado ao corpo eficiente (até no erotismo e suas várias representações cinematográficas) que se encontra aqui radicalmente perturbado, ou melhor, deslocado – tanto por um Jack Smith (1932-89) como José Rodriguez Soltero (1943-2009). Não é de estranhar, portanto, que este tipo de percurso terminou por desentupir sobre uma tematização explícita das noções de « gênero » (gender), como um atributo triplo (e tripla atribuição) : social, histórica e cultural. É esta tematização que identificamos por exemplo, em alguns filmes Matthias Müller (1961), ou Mike Hoolboom (1959) ou Wayne Yung (1971)

Para outros, a câmera se torna uma prolongamento do corpo, como sua possível extensão. Os cineastas nãofazem então grande caso da fixidez do enquadramento, e os movidos são integrados. A fidelidade ou a conformidade da representação à coisa filmada não é então mais uma prioridade, o que é tanto visado, é sobretudo a imediatez e a espontaneidade da reação em relação ao que é filmado. Esta indiferença frente a técnica põe em discussão o primado da imagem sob controle, mais ou menos estéreis. O ato da filmagem como apropriação da representação efectua-se então através de uma afirmação das possibilidades que oferece ao mesmo tempo o domínio do instrumento-câmara e deste suporte que é a fita. Submetida a tais tratamentos, é a relação subjetiva à coisa filmada que domina : Apresentação da ’visão’(no sentido Inglês), singular, do cineasta. Historicamente, tal postura é encontrada primeiramente em Marie Menken (1909-71) através de seus desenhos e jornais filmados, que privilegiam todos uma grande liberdade de movimento de câmera, tanto quanto a espontaneidade da tomada de vista. Daí procede o que poderia ser chamado de economia do acidente, que não é sem entrar em ressonância com o percurso ademais diferente de um John Cage (1912-92). Na verdade, ela é uma das primeiras cineastas que trabalham a câmera tida na mão, liberta do seu tripé, muitas vezes abandonando o trabalho de montagem (para o benefício de uma qualidade de leveza, característica da montagem direta na câmara). Lembramos que a câmara “portada” igualmente permitiu a realização de belas seqüências de o Homem da câmara (1929) de Dziga Vertov (1896-1954), assim como, na admirável viagem efectuada por Oskar Fischinger (1900-67) através da Alemanha em Munique Berlim Wanderung (1927). Mas com Marie Menken (e os cineastas do final dos anos cinqüenta), a câmara torna-se independente, e facilita o surgimento de um método em que a prioridade imediata é atribuída à tradução de uma disposição sensível.

Esta liberdade, conquistada como se vê, encontra-se aumentada para Stan Brakhage, em seu « cinema visionário ». Seus filmes, de carater intimista, paradoxalmente, também assumem dimensões quase mitológicas. Window Water Baby Moving (1959) Dog Star Man (1961-64), bem como nas Canções (1964-69), faz desabrochar sobre a superfície da tela visões hipnagógicas e outras percepções ópticas internas, convencionalmente ocultadas, ou mesmo banídas pela cinematografia clássica. O suporte destes objetivos é então o filme doméstico, « amador », por assim dizer : home cinema. Privilegiando o borrão, trata-se de jogar com oposições cromáticas intensas, confrontando ao mesmo tempo as texturas : o grão da emulsão com planos de tintas coloridos ou as estrias, a qualidade das diferentes emulsões, o uso de imagens negativas, etc. Carolee Schneemann por sua parte, em Fuses (1964-67) ou Plumbline (1968-72), produz tratamentos gráficos que são semelhantes aos descritos anteriormente, mas para aplicá-los à suas seqüências de jornais íntimos. Encontramos de forma semelhante, nos jornais filmados por Jonas Mekas, esta libertação em relação a exposição « correta ». Porque o que conta nele é ao mesmo tempio a dimensão afetiva e o estado no qual se encontra no momento em que filma – quer se trate de produzir um plano de curta duração, ou uma seqüência de vários minutos. Em todos estes cineastas, a filmagem não responde à uma economia da rentabilidade, ela torna-se momento de “revelação de um sujeito” através das imagens que este regista. Esta descoberta será ainda mais eficaz do que ela é, tanto nele como em Jack Chambers (1931-78), acompanhada de um trabalho sobre as lembranças e a formação de uma memória subjetiva, quem procura assim inscrever-se no fluxo da história. em Lost, Lost, Lost (1949-76) ou Reminiscences of Journey to Lithuania (1971-72) por exemplo, são as lembranças ligadas à comunidade lituana de Nova Iorque que conduzem Mekas a se perguntar de seu pertencimento a um território, um país. Neste filme, ele confronta o seu deslocamento forçado (e, conseqüentemente, seu não-pertencimento efetivo a um país) à forte aderência que um Peter Kubelka (1934) assume em relação à Áustria. Jonas Mekas, ele, não se aparenta nem saberia pertencer à nada ; exemplarmente, ele assume o caráter inegável da sua situação de exilado – cineasta
cineasta que persegue de filme em filme os ecos de um país distante e uma infância perdida (cuja procura influenciará sobre a percepção de Nova Iorque da qual seus filmes testemunham ao fio do tempo).

Esta maneira de encarar o cinema como processo de implementação de subjetivação permitiu a realização de um grande número de filmes, e especialmente quando eles usam o pequeno formato como o « 8 milímetros » e « Super 8 ». A facilidade, a maneabilidade e a extrema flexibilidade do instrumento são exemplares desse modo de filmar todos os aspectos do cotidiano, até nos seus encontros mais imprevisíveis. É por exemplo isso de que soube tirar proveito, e magnificamente, um Teo Hernandez (1939-94). Mas estas mesmas qualidades também facilitaram em certo sentido o reconhecimento de um campo específico de investigação : a de uma reavaliação do « íntimo ». E é a partir da exploração da riqueza irredutível inerente às imagens ditas « de caráter privado » (tornados documentos visuais desde o advento da fotografia) que tal trabalho não deixou de comprometer-se.
Essa irrupção do íntimo como questão trabalhada, vale lembrar aqui que só recentemente ela se tornou prerrogativa do Cinema (com letra maiúscula, industrial pois), como do vídeo contemporâneo. No entanto, o que acabou sendo marcado sob a forma de dominação do íntimo como “objeto dardo « (Duchamp), tem a sua fonte (que é muitas vezes ignorado) nos trabalhos realizados durante o 1960-1970 por alguns artistas- performers. Aqui é o nome de Vito Acconci (1940) que, sem dúvida, vem em primeiro lugar entre os que o conceito de ritual foi constitutivo da ação, ela mesma produzida para registro. É então sobre suas rotas que se inscrevem filmes de Gina Pane (1939-90), Christian Boltanski (1944) Michel Journiac (1943-94), e de uma grande parte da « escola do corpo » , francesa, anos 70 (da qual Dominique Noguez tem sido a voz teórica por muitos anos).

Estes filmes-performances se diferem marcadamente de uma outra corrente decisiva do cinema experimental, o que lhe permitiu superar inclusive a noção de personagem (entendido como apoio psicológico da narrativa). E esse distanciamento deliberado efetuou-se em beneficio da única atividade do ator. Trata-se então de afirmar o papel de um performer, criando eventos, encontros, para a câmara (pensamos aqui, mas muito diferente em relação aos termos, nos filmes-performances de Bruce Nauman, Gordon Matta-Clark e Richard Serra). Mas esses atores no asumen então mais un papel : eles são o papel. E a questão não consiste mais em saber se são « boas » ou não. O que está em jogo, é este acontecimento do qual são ao mesmo tempo agentes e consequência : situações diárias e domésticas ;
situações que misturam mundos até então separados (inocência, droga, sedução, travestismo, queer, sexo, boêmia…). Situações que visam abolir a fronteira entre o « mundo da arte » e o da « vida ». Esta crítica da separação pela anexação do pessoal, e seu rebatimento no campo estético-político (dos mundos e das representações) pode ser encontrada tanto na produção feminista dos anos 70 (Adrian Piper (1948), Jan Oxenberg) como em certas trajectórias da arte contemporânea. Os dois instigadores de tal inversão de prioridades entre “autor” e “intérprete” ao cinema foram, sem dúvida, Taylor Mead (The Queen ofSheeba Meet The Atom Man (1963), Tarzan e Jane Regain sort of. .. (1963) Che (1968)) e Jack Smith (Camp (1965), Blonde Cobra (1959-1961)). Estes atores são para o cinema o que os happenings são para a pintura : uma terceira via. Diretos, crus, eles também são mais severos no uso que eles fazem deles mesmos – sábia dosagem feita de amadorismo fingido e do domínio perverso de seus meios. Não poderíamos aqui muito agradecer a esses recursos, pois se mantiveram a marca de suas trajetórias extraordinárias. Mestres incontestáveis da confusão de gêneros, eles não pararam de prejudicar a imagem do homem vencedor. Fazendo da ambigüidade uma arma perigosa, é um humor cáustico (da anfetaminas, mais exatamente) que alimentou indefinidamente cada uma das suas intervenções na tela – quebrando a linearidade de uma drama turgia pré-fabricados deliberadamente. Esta quebrada de narração se encontra nos filmes Hitler 3° Mundo de José Agrippino de Paula, e menos pronuciadamente nos filmes de Yvan Cardoso…
Acrescentamos aqui que é precisamente a capacidade inconcebível de tais personagens para apropriar-se de um filme (ou uma peça) que justifica-se o uso de stars de todos os matizes, improvaveis ou não, no cinema Warholiano.
Trata-se então de autorizar tacitamente cada um a tirar a (cobertura à ele ?),
de acordo com regras estabelecidas e logo minadas pelo próprio Warhol, a fim de permitir o surgimento de uma alteridade na imagem composta (Sreen Tests de 1963-1965, Henry Geldzahler 1964, Lonesome Cowboys, 1968).

Através da documentação de suas vidas, cineastas como Andrew Noren (1943), Saul Levine, Ming Yu Lee (1980), Joseph Morder (1949) ou Charlotte Anne Roberson (1949), à sua maneira igualmente puseram-se questões de cinema. Cada um a seu modo, eles investiram no campo da narrativa, através da restituição dos acontecimentos do quotidiano. Onde encontramos o surgimento da intimidade como assunto de um filme, e onde constata-se de novo que se trata de um espaço de questionamento em obra. Qualquer um que procure entender o que motiva a freqüência da representação da homossexualidade (masculina ou feminina) no cinema experimental não podera fazer economia deste desvio (eo mesmo vale para as questões das identidades e das minorias). Pensa-se naturalmente aqui em Jerry Tartaglia (1950), Friedrich Su (1954), Benning saddie (1973), Bordowitz Gregg (1962), Pratibha Parmar (1955), Trinh Minh-ha (1952), Lizzie Borden (1951), Isaac Julien (1960), Birgit Hein (1942) e Richard Fung (1954) …

Se definíssemos diferentemente o cinema experimental, então surgiria outro corpus, outras metodologias na abordagem da ferramenta, que beneficiaria a análise dos meios e dos elementos constitutivos do aparelho. Isso não significa que as abordagens divergentes não se cruzem nem se alimentem , muito longe disso. Simplesmente parece-me que o enfoque histórico deste corpus permite delimitar mais facilmente linhas de força, de onde podemos libertar as categorias ou « tipos » de filmes. Desta abordagem mais analítica, emergem naturalmente a maior parte das figuras das vanguardas históricas, aquelas dos anos 20 e 30, tanto quanto as dos anos 60-70. Breve exame.
Se a primeira vangarda questionava a possibilidade de construir um « cinema puro », um « cinema integral », emprestando seus conceitos e ferramentas para analisar a música ea pintura abstrata, não é mais o caso para a dos anos 60, que questionou todos os elementos constitutivos do filme : da projeção à distribuição, passando pela apresentação.
Trata-se pois para os artistas dos anos 20, que participam do modernismo, de constituir uma nova linguagem de acordo com modalidades que emprestam os seus esquemas para a compreensão da abstração, sobre o modelo do discurso musical e da pintura não-objetiva, da poesia ou do maquinismo. Esta elaboração passa pela afirmação de algumas qualidades relativas à este médium e o que o distingue de outras suportes.
Os cineastas e artistas dos anos 20 cuidaram de elaborar novas possibilidades perceptivas. Entre elas, selecionamos aquelas que dizem respeito à questão de luz e ritmo. Devemos ter em mente a célebre conferência de Hollis Frampton (1936-1984), intitulada Uma Conferência (1968), pela qual se liberou « da luz qualificada » que o cinema é inicialmente, lembremos o seu exemplo a respeito da filme como fita, cujo assunto “pode às vezes ser Lana Turner” e que, “à tal momento, mostrou-se sensível à luz”. Agora, conservando um vestígio fiel dos lugares onde havia, ou não, da luz, ele modula o nosso raio luminoso, opera subtrações, há um vazio, o qual toma para nós a aparência, por exemplo, de Lana Turner « …

Para alguns cineastas, tais Viking Eggeling (1880-1925), Hans Richter (1888-1976), Walter Ruttman (1887-1941), Oskar Fischinger e Len Lye, a questão do deslocamento e da circulação de formas no espaço do quadro é concomitante àquela de suas transformações. Essas transformações convocam soluções musicais a partir das quais nós fazemos evoluír formas no tempo, dentro de um conjunto de variações, horários e padrões ou temas cruzados.
A utilização de conceitos musicais facilita o desenvolvimento filmes que trabalham relações sinestésicas. Elaboram-se assim das obras que trabalham o deslocamento de formas orgânicas, em função de linhas mélodiques (como seria uma pintura no tempo de Walther Ruttmann, ou por meio de formas geométricas, de acordo com uma rítmica e uma composição contrapunctique precisa com Viking Eggeling e Hans Richter). Tais abordagens privilegiam as noções de velocidade e de síncope, a fim de estabelecer os elementos de uma linguagem específica. Nós encontramos o mesmo controle tocando a qualidade de abordagem sinestésica nos Estudos (1929-1934) em preto e branco de Oskar Fischinger, quem vêem evoluir arcos e linhas, transpostas cinematograficamente. Estas investigações visam evidentemente a constituir o cinema como prática artística autónoma, de acordo com o desejo modernista, emancipado dos imperativos de dramaturgia e de encenação herdados do teatro clássico ou do referente literário, em prol de uma afirmação da visualidade. Quanto ao campo musical e usar seus recursos, eles constituirão na história do cinema experimentais um dos motores mais férteis, propício à criação de obras singulares.

A criação de tal arte, que se quer « absoluta », encontra-se em cineastas que, como Wagner ou Kandinsky, promovem uma espiritualidade da prática artística,
concebendo a obra como etapa desta elevação para um “outro lugar”, desejado como ninguém “aqui” (James Whitney, 1921-82 , Jordan Belson, 1926, ou em um Harry Smith,1923-91).
A defesa deste “cinema absoluto” explica a maior parte das pesquisas teóricas destinadas a estabelecer o cinema de vanguarda como o único “verdadeiro” cinema.
O estabelecimento de tal programa destinado a constituir uma nova arte de ver. Assim à questão do modernismo e da apologia do maquinismo em Eugène Deslaw (1900-93) ou Dziga Vertov, substitui-se uma corrente mais fotográfica, mas quase pictórica, impressionista, que favorece a emergência de um cinema poético (Paul Strand, 1890-1976, Germaine Dulac, 1882-1942). É este cinema que apagará a voz de um registo mais realista, proximos dos documentários, e fortemente influenciados pela escola russa (Eisenstein, Vertov, Poudovkine e Schub). Pensamos, naturalmente, em Joris Ivens (1898-1989) e Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946), mas também em Erno Mezner (1892-1942), Jean Vigo (1905-34) et John Grierson (1898-1972). Este cinema, não lhe exclui em nada uma relação ao espaço literário. Ele incorpora alguns elementos : fazendo da palavra um sinal, uma imagem (em Léger e Vertov), mas também jogando com o fora-de-campo que implica a presença da palavra na tela (Man Ray, 1890-1976) Marcel Duchamp (1887-1968 ))… Estas investigações estimuladas pela efervescência e trépidation da época esclarecem novos territórios que serão reexaminados nos anos 60. A presença da letra, da palavra será constante neste cinema depois dos anos 20 (quer se trate de Joseph Cornell 1903-72, de Bruce Conner 1933, Maurice Lemaitre, ou Hollis Frampton, de Michael Snow, Peter Rose1947, Yvonne Rainer 1934, Paul Sharits (1943-93), Joyce Wieland 1931-96, ou Jennifer Burford 1952). A inclusão da letra no espaço cinematográfico abre o campo a um uso heterogêneo, que encontra-se no recurso trans-histórico ao found footage. O cinema de found footage é também um gênero em si : o cinema de prélévements, de recuperações que, radicalmente, faz a economia da filmagem e afirma somente a edição como o momento de elaboração (Esfir Schub, Bruce Conner, David Rimmer, Al Razutis, Artur Omar, no Brasil, etc. ..).

Inicialmente, são as questões da luz que predominam e que nos permitem escrever esta outra história do cinema, história que teria por objeto não tanto as relações com o fotográfico como com o cromatismo. Contudo constata-se nestes em filmes uma predominância das relações entre as texturas, o reflexo das matérias (como por exemplo nos filmes de Nathaniel Dorsky, 1943). Estes filmes de cores parecem assim prefigurar um cinema que não relevaria mais da montagem. Então é um processo que, articulando a materialidade do suporte, procura livrar-se da questão da imagem como um reflexo de uma realidade externa a si mesma. Consideremos, então, um cinema que trabalha a dissolução, a perda, dos quais Jurgen Reble (1956), David Sherman (1966) e Cecile Fontaine (1957) Lee Hangjun, Carl Brown (1959) estão entre os representantes mais destacados contemporâneos. Mas ainda existem outras maneiras de impressionar o suporte, por rayograms : raspagens e aplicação direta de cores, marcações sobre a película (era o que concebiam e exploravam Man Ray, Len Lye, Norman McLaren (1914 -87), Dieter Roth (1930-98), Hy Hirsh (1911-1961), Maurice Lemaitre e outros). Estas técnicas diretas são frequentemente utilizadas, bem como a imagem fotografica e são entremeadas com elas para gerar comentários, por adições ou por subtrações usando rotoscopia (Robert Breer, 1926). Elas podem também se perguntar sobre as maneiras possíveis de desdobrar uma arte da luz. (entendido como médium temporal), trabalhando portanto a luz como questão : interrogando o transporte da imagem, ou variando as modalidades da própria projeção.
E esta consideração do fenómeno da projeção beneficia os trabalhos multi telas bem como instalações de cinema que (re) colocam em questão a pertinência da sessão, tanto quanto a sala de cinema como um espaço de pura frontalidade (Linha Descrevendo um Cone, 1973 Anthony McCall). Essas questões abordadas radicalmente nos anos 70 por cineastas como Paul Sharits, Malcolm LeGrice (1940), Ken Jacobs (1933), estão novamente reconsideradas hoje pelas novas gerações que interrogam a natureza do fenômeno de exposição, através da produção de performances cinematograficas (live cinema) (Metamkine, Jurgen Reble, Peggy Ahwesh) ou instalações (yann beauvais, Keith Sanborn ,Thomas Köner). O que importa é a constituição de um fenômeno cinematográfico que analisa o objeto cinema. É a partir de tais questões que os cineastas examinarão o que é, tanto do suporte como da projecção.

Esta abordagem rigorosa nas questões endereçadas ao objeto cinematográfico não é evocar aquelas que colocam os trabalhos (radicalmente diferentes), realizados por muitos artistas e cineastas na área de cinema expandido. De fato, quando os artistas procuram abrir as práticas multiplicando as linhas de fugas e os cruzamentos, eles questionam a natureza da projeção, não tanto como suporte de gravação, mas bem como, suporte de distribuição.
Esta revisão do suporte levou os cineastas a trabalharem os fotogramas, os movimentos dos dispositivos e a própria tela. Determinar o que acontece quando você coloca à prova a cada elemento isolado vindo a estabelecer as condições de possibilidades da experiência cinematográfica em si. Produzir uma realidade cinematografica , é abordar o cinema a partir daquilo que ele pode produzir no momento que é para ser visto. Esta realidade cinematografica, a qualquer momento, não pode ria ser cpreendida fora da experiência da projeção do filme, é o que se revela nos filmes que trabalham a serialização photogrammique (distribuição em ciclos mais ou menos complexos a partir do tecido de fotogragramas ou de seqüências inteiras). Incluem-se aqui Nekes Werner (1944), Rose Lowder (1941) e Takashi Ito (1956), Jean Michel Bouhours, para citar alguns.

Hoje, o cinema experimental não é mais dependente do suporte de distribuição : a pelicula, a sala. Estas preocupações são comuns a muitos artistas contemporâneos que, através do seu trabalho, fazem propostas que questionam os usos do tempo, às vezes impondo uma atemporalidade ao menos encorajadora. Assim, a manifestação dos processos, retardado devido à própria natureza do médium (desvio entre a filmagens, o desenvolvimento, tratamentos secundarios…), encontra-se hoje reintegrado pelos protagonistas do « cinema ambiental ». Estes compartilham com as pratiques musicais contemporâneas (techno, electro-acusmática …) modalidades de intervenções e de registros semelhantes, favorecendo, ao mesmo tempo, uma nova abordagem do cinema experimental, esta arte do movimento.

3 dezembro 2010 12 Festival internacional de Curtas Belo Horizonte, Palacio das Artes

Curso de Introdução ao Cinema Experimental (3)

Apropriação não é uma coisa nova no mundo da arte, a freqüência do seu uso denota sua atualidade. Este uso que quer que se retome uma idéia, um som, uma melodia, um motivo, um tema para lhes desenvolver novamente, trabalha os processo, os tratamentos criando as vezes grandes desvios que é impossível encontrar as origens dos documentos iniciais. Apropriação como gesto artístico tomou uma dimensão que corresponde na multiplicação dos suportes da reproduções mecânicas, magnéticas e numéricas.
O século vinte não tem o monopólio da apropriação como postura artística, mas o fez um uso predominante, que manifesta a sua democratização. O acesso e a circulação dos usos interrogam as redes da difusão, assim como a(s) noção(es) do autor.
O filme de found footage manifesta no campo cinematográfico e mais precisamente no cinema experimental e vídeo cujos usos e através dos quais apropriações e desvios dos objetos encontrados beneficio da reciclagem de pedaços de filmes. Quando se trata de found footage, a gente deve entender simultaneamente : os pedaços, os objetos encontrados assim como um gênero protéiforme : filmes de arquivos, compilações, filmes de montagem…

O recurso a os found footage existem desde o inicio do cinema. Encontramos os traços nos primeiros espetáculos cinematográficos nas quais os feirantes misturavam novos filmes com outros já mostrado em programações anteriores . Porem a reutilização das seqüências por os cineastas diferentes daqueles fizeram os filmes, verdadeiramente generalizou se nos anos 1910 1920 com o usos aos stock-shots (catalogo de seqüências postas a disposição pelos distribuidores ). A pesar do cinema de vanguardia gostar muito destes tipos de apropriações e desvios que o surrealismo preconizava, é so nos anos 50 e 60 que este uso largamente espalhou de acordo com as estéticas letristas e situacionistas, os ensamblagistas e da pop art. Se nos Estados Unidos, Bruce Conner é a figura que fundou este gênero , a sua influencia foi mas tardia na Europa onde outros cineastas tinham trabalhado neste gênero antecipando seu trabalho como Maurice Lemaître citando um clássico do cinema em : Le film est déjà commencé ? (1951), ou ignorando o como Gianfranco Baruchello e Alberto Griffi desviando filmes norte americanos dos anos 50 e 60 com La verifica incerta (1964-65).
Para estes artistas que importava não era a citação mas sim a possibilidade de incluir parte da historia do cinema como fizeram Maurice Lemaître e Guy Debord, trabalhando com as imagens dos meios de comunicação dominante ou seja os filmes comerciais, os filmes educativos e as noticias. Estas apropriações assina a possibilidade que o cinema tem de produzir uma metalinguagem cujas as Histoire(s) du cinéma são um exemplo tardio, e que o Ken Jacobs inaugurei com talento com Tom Tom The Piper’s Son (1969-71). Neste filme, Ken Jacobs revisita um curto metragem de Billy Bitzer de 1905 que ilustrava uma canção infantil na qual Tom rouba um porco, foge-se antes que se come o porco, e que o menino levou uma surra grita nas ruas . O cineasta analisa o funcionamento deste filme a partir de um grande numero de variações que decompõem, isolam, acelerando ou retardando o fluxo das imagens originais. Com cada visão que duplica o trabalho do cineasta, nos descobrimos as potencialidades especificas das imagens em movimento quem emprestam na pintura para a composição das cenas tanto quanto a arte do movimento que produzi a continuidade a partir do descontínuo e do piscal. Encontraremos outra atitude para auscultar a historia do cinema a través o cinema primitivo ; em Visual Essays : Origins of Film 1973-84 AL Razutis questionava diferentes filmes e cineastas para entender filmicamente o que lhes trazem o cinema. (aqui se mostra um trecho desse filme a parte Lumière’s Train (arriving at the station (1980) que annexa os filmes de Lumière O trem chegando na estacione La Ciotat, A roda do Abel Gance, e Spills for Thrills courto americano da Warner Brother).

Este filme é o resultado de uma metahistória, parece-lhe realizar a descrição que Hollis Frampton fez do filme : O filme conta uma infinidade de passeios sem fim nos quais nenhum fotograma não se assemelha de nenhuma maneira, e uma infinidade de passeios onde os fotogramas sucessivos são também idênticos que concebível .
Esta similaridade do fotograma pode explicar o uso da reutilização simples na qual nenhuma modificação foz feita no objeto encontrado que consista na modificação do contexto é a destino da recepção do filme (filme, vídeo, fluxo). Estas estratégias parecem próximas do ready-made do Duchamp ; mais em sua versão assistida. O deslocamento não marca só um desvio , mas ele permite observar os usos e as significações dos objetos e representações dos quais não estamos atentivos. Estas são praticas que se encontram muito nos filmes de arquivos e nos documentários.
Outros artistas pensam no reemprego, na reciclagem dos filmes, dos trailers como uma atividade que permite privilegiar o montagem e autoriza “ fazer surgir coisas ausentes da intenção inicial. Os exemplos não faltam sobre a maneira de alterar o sentido mudando o contexto” . O filme A Movie do Bruce Conner é a reposta do cineasta ao desejo de interromper um filme comercial anexando lhe uma seqüência encontrada numa casa quando ele estava 13 anos de idade ; em qual uma mulher tirava as meias . Em seus ajuntamentos Bruce Conner uso todos tipos de materiais, lixos que ele gostava como fiz Jackson Pollock transformando as suas telas em espaço sujo . Esta mesma relação pessoal nos objetos encontrados preside as escolhas das seqüências que compõem seus filmes de found footage. Se encontra com Chick Strand e Abigail Child uma atitude parecida. “ Em Prefaces, eu queria solicitar as imagens encontradas como recursos, como um dicionário, eu queria destruir nosso banco de dados, quebrando o banco de imagens a fim de redistribuir, reestruturar um campo de impulsão a partir do qual o ato de permutar constitua a troca. A estrutura e densidade, um mosaico .”
A prática do filme de found footage provoca a constituição de coleção, e o recurso nos bancos de dados cujos certos elementos vão talvez incitar novos projetos. Os filmes de Matthias Mueller e Christoph Girardet participam de uma reciclagem temático : as estrelas em Homes Stories (1991)de Matthias Mueller e também em Encuentros entre dos Reinas (1991) de Cecilia Barriga quem evoca uma encontro entre doas estrelas do cinema , um objeto em Telephone (1995), tiros em Crossfire (2007) de Christian Marclay). Só o reciclagem do cinema no sentido expandido este tornado o objeto privilegiado dos cineastas, os amostrados contemporâneos, não se limite a isto. A historia do cinema e de seus clássicos se torna como o território o mais frequentemente amostrado para os artistas da media contemporâneos. Si nos se limitamos ao Alfred Hitchcock a lista é grande : Stan Douglas (Subject To a Film : Marnie 1995), Douglas Gordon (24 Hour Psycho 1993), Les Leveque (2 Spellbound 1999, 4 Vertigo, 2000) nos mostraremos trechos dos dois filmes), Matthias Müller & Christoph Girardet (Phoenix Tapes, 1999) Ichiro Sueka (Seagulls are screaming, « kiss her, kiss hier 1998) para citar alguns. Trabalha com os found footages é trabalhar com a historia de acordo com Keith Sanborm : « Penso ainda em uma coisa, que para as pessoas de minha geração a vídeo encarna o presente eterno, quando o filme encarna a historia. Lhe representa a categoria da memória do qual estava anterior, de uma maneira distinta da televisão e do vídeo. O found footage é uma forma concreta da historia, e trabalhar com este tipo de material da-vos a oportunidade de fazer investigações na historia que sempre foi para mim um assunto fascinante : criar significações da historia o encontrar-lhes criar coisas a partir do material pré existente . Com isto trabalha-se com a grande historia e também com as pequenas historias. E a possibilidade de anexar fluxos de representações que a gente não criava, mais que sofre-se, suporta-se, que atravessa-nos, habita nos, assombra-nos. Como Abigail Child constatava : “ A historia é escrita, retratada por e através a reprodução. Pensem a que conhecemos do far-west norte americano, e quanto vem de Hollywood. Os medias distribuem ficções, que tomamos como o real. O passado ficcional é vigorosamente reconstrói no processo .” Algumas seqüências repetidas de mais, deram formas (o assassinado do JFK para Bruce Conner, Oliver Stone, o 11 de setembro para muitos artistas contemporâneos e anônimos, a pendura do Saddam Hussein para Keith Sanborn, as motins dos subúrbios em 2005 na França , para Alex Chan alias Koulamata , e yann beauvais ) tanto quanto filmes mais clássicos que povoam abundantemente o nosso imaginária. O recurso aos found footages devi uma vingança sobre estes imagens que fascinam-nos e exasperam-nos. O uso dos filmes hollywoodiens fato para Martin Arnold, Peter Tscherskasky, Raphael Ortiz, ou Matthias Müller seja uma maneira diferente mostram uma irreverência para os imagens que povão-nos. “As qualidades plásticas do meu filme, longe do glamour original, são supostas dizer coisas sobre os caminhos que estas imagens percorram para atingir mim. Mais eu queria também entregar-los de uma maneira alterada, mas danificadas, como si não estive suficientemente degradar essas mulheres dominantes fazendo-las como minhas bonecas .” (Home Stories 1990) Estes imagens que fascinam nos sem que os sabemos e cuja apropriação assinara um efeito ‘camp’ põem por obra Nguyen Tan Hoang e Wayne Yung. Com The Big Sleep, Cyriaco Lopes, sublinha a cegueira do gringo na frente de um pais em via de desenvolvimento fazendo gaguejar seqüências.
Então o reciclagem participa da arqueologia, quem consiste a entregar em circulação objetos o representações e isto de uma maneira critica o não. A elaboração que propunha Michel Foucault em redor da noção do documento parece relevante cuja o uso do found footage na medida, ou a arqueologia evoca como uma sociedade dá estatuto à uma massa documental de acordo com séries de relações multiplicando as perspectivas aos e a partir destes documentos. E assim mesmo que os cineastas explorarão o potencial das seqüências de acordo com percurso e configurações inconcebíveis. Esse trabalho releva de uma estética, de uma política da diferenciações, em quais os documentos devem diagnósticos. Este afirmação de uma subjetividade talvez estende-se de acordo com os discursos minoritários em função do gênero, das raças , dos territórios. Em Triste Trópico (1974), Arthur Omar pergunta as visões que a gente tivesse do Brasil. Ele fala do projeto de este filme assim : “Um dia resolvi homenagear os 50 anos do seu filme En Rade (No Porto) realizando um filme experimental dedicado ao mestre. Utilizei apenas trechos de documentários etnográficos exibidos na televisão e outros encontrados no lixo de uma sala de montagem.
Através de refilmagens, trucagens, reenquadramentos, aumento de granulação, alteração desmesurada de mínimo detalhes da tela, repetições, criei um fluxo ininterrupto e hipnótico de ritmo e luz que descontraia o documentário tradicional, misturando as figuras de homens, animais, vulcões, tribos, arvores, estádios avalanche sem qualquer preocupação com a informação, apenas com a emoção do inconsciente atento. ”
Isaac Julian (1960) ou Charles Lofton interrogam a homossexualidade dos negros quando os filmes de Kevin Emerson são repostas no eventos do quotidiano, da condição social : dos gestos e tarefas das pessoas de descendência áfrica a partir do filmes de família o das reportagens. Bárbara Hammer e Abigail Child seguiram caminhos similares de acordo com uma óptica lesbiana.
O recurso aos documentos cinematográficos o televisais abrem campos das explorações quem se focalizam menos sobre o ajusto nos abismos que impulsiona frequentemente o uso das seqüências de filmes hollywoodiens, que sobre os usos e práticas do quotidiano. Assim se pode ver a vídeo de Regina Vater Todo dia que agonia (2010) em qual uma mulher lava as roupas, no centro da imagens uma incrustações do zapping de canais durante um dia no Brasil. A irrupção do intimo, do banal, do anônimo dos filmes sim qualidade, permite trabalhar com outros registros de acordo com topografias e cartografias mais o menos definidas. Se penso no uso que fizeram Michael Wallin, Jay Rosenblatt, Gretta Snider com os filmes educativos, ou Su Friedrich, Abigail Child usando filmes de família para fazer filmes que não sempre autobiográficos.
Estas apropriações definem novas modalidades de trabalho que desviam ao autoria. Por exemplo no filme Covert Action (1984) o uso dos filmes de família de dois irmãos partindo no fim de semana com diferentes companheiras é trabalhado com o som e com as imagens de modo que a parcialidade dos documentos quebra-se. Outros cineastas terão uma aproximada diferente do home movies, quem se desistir-se com dificuldade de uma fascinação para o documentos encontrados. Como observa Peter Forgacs : “existe uma pratica experimental por qual o material e totalmente subtrai de sue contexto social, cultural e psicológico, para criar uma expressão pessoal” . Um cinema vazio, quem estétiza as imagens de uma maneira nostálgica ; quem faz o luto que não se referia a uma vivencia fora da plasticidade das imagens.
O uso do found footage não se reduze ao cinema químico só. Este tipo de apropriação se encontra em todos os campos do cinema come lhe esta definido para Gene Youngblood : “além um meio dado. O cinema é então a arte de organizar um fluxo de acontecimentos audiovisuais no tempo. É um fluxo de eventos como a música. ” Si os lixos dos laboratórios, os mercados das pulgas foram para longe os espaços mais pertinente para encontrar : pescar os found footage, hoje as bancos de dados livre de acesso o não são muitos usados para encontrar os documentos a partir do quais os cineastas trabalham. Johan Grimonprez (1962) , Craig Baldwin (1952) tenham usado muito isto. O primeiro com o filme : Dial History (1997) o segundo com Tribulations 99 Alien Anomalies under América (1991) o Spectres of the Spectrum (1999). De seu lado, Keith Sanborn fez-se uma especialidade de perseguir filmes nas redes da internet, e apagar documentos na televisão que são disponíveis na internet. O filme seu Operation Double Trouble (2003) e também The Forces of Beauty (2008) interessam-lhes na produção de imagens pra os Marines dum lado e de outro lado por as forças armadas russas.
Si o aparecimento dos vídeos e leitores dvd tenham transformado os nossos uso das produções audiovisuais incitando nos a se tornar produtores, emissores a partir das listas a tocar, (play list) e outras coleções ; a generalização da prática da rede alterou mais ainda as relações que mantínhamos com as imagens em movimentos. Podemos interagir com mais velocidade aos acontecimentos e a loros comunicações. A acessibilidade, a apropriação, os desvio e a recontextualizaçao fazem-se em poucos tempos induzindo uma participação, uma interatividade que não ofereciam os instrumentos anteriores. Por exemplo The French Democraty foi postado no web o 22 novembro, ou seja antes que os motins são apagados.
O recuso nas técnicas do sampling e o acesso no software de montagem produzem uma democratização por multiplicações. A proliferação do desvios e do sampling constroem outros espaços para a difusão que funcionam ao lado dos quais mais tradicionais do cinema e da vídeo. You Tube, Daily Motion, Vimeo, Xtube… acrescentaram os espaços difusões e facilitaram em retorno a circulação e apropriação virtual. Hoje quanto filmes se realizam com o ajudo dos bancos de dados livre o não. Só o campo de uso do found footage e do sampling estão generalizando não tem o menos divido que as perguntas da representação das minorias foram um catalisador essencial na distribuição e circulação das imagens, inauguradas para os movimentos de liberações das mulheres e dos negros. A irrupção do Aids provocou via o queer studies um crescimento dos estudos e de produções quem se interessam e trabalham na imagens pornografia. Assim a questão da representação das mulheres como objeto do prazer e do voyeurismo foram questionadas por Peggy Ahwesh The Color of Love (1994), Naomi Uman em Removed (1999) a partir das seqüências dos filmes pornográfico dos anos 70, que se opõem com os trabalhos de Yves Marie Mahé (Bitte 2001, Va te faire enculer 1998), Scott Stark em Noema (1998) quando William E. Jones, interessa-se na produção pornô gae, (Massillon 1991, e Finished 1997) ou fazendo um trabalho de arquivista a partir das imagens de câmera de vigilância realizadas em 1962 nem lavabos públicos no filme Tearoom (1962-2007). As seqüências foram feitas para a policia no midwest para prosseguir homens fazendo sexo com outros homens em lugar publico. O cineasta Lawrence Brose observa ”para a comunidade gay que estava assistindo nestes filmes ; os pornôs gays dos anos 1920 e 30 estivessem como os filmes de família .” Este sentimento de pertença é auxiliado no Chat e nuns diversos blogos no quais se prepara-se para o espetáculo publico. Bate Papo 22cm (2001) de Edson Barrus trabalha com um Chat de pegações 1991 gay brasileiro quando Who is Live Now ? (2007) e uma apropriação das imagens do web, como fez Lionel Soukaz com seu www.webcam (2005).
Os jogos não estão fora da apropriação porque são laboratórios na produções e criações da imagens em movimento. Eddy Stern recicle números jogos (Settlers III Amazons, SinCity, Nuclear Strike, Delta Force, Command & Conquer, StarCraft, Red Alert, et Tom Clancey’s Rainbow Six) para seu filme Sheik Attack (2000) ou para Vietnam Romance (2003). Este ultimo projeto, compile fonte disponíveis unicamente com o ambiente da mesa de um computador : jogos, grafismos, musicas. Um remix da experiência do Vietnam com trilha sonora MIDI e extratos do vídeo games. Ao mesmo Peggy Ahwesh em She Puppet (2002) recicle seqüências do jogo Tom Raider, transformando a missão da Lara Croft.
Este exame rápido das praticas do found footage e do sampling permite de mostrar a importância de quais usos do desvios e loros aplicações contemporâneas seguindo os trabalhos iniciados para os cineastas experimentais e cujo alguns continuam trabalhar neste campo

13° Festival Internacional de curtas de Belo Horizonte Outubro 2011

em Português no catalogo do 13° Festival Internacional de Curtas de Belo Horizonte  2011

Les films qui composent ces programmes permettent de traverser différentes époques du cinéma expérimental et nous font réfléchir sur les potentialités que déploie le cinéma à travers ses usages. L’ensemble des films ne reflète pas tant une actualité que quelques moments privilégiés dans cette pratique. Chaque programme propose ainsi une dérive particulière. Plongé dans l’espace autobiographique et personnel qu’il s’agit de produire des récits ou tenir un journal d’observations des comportements du quotidien selon une diversité d’approches qui est le signe de l’extraordinaire richesse que l’on trouve dans l’histoire et dans les usages contemporains du film. Analyser les fonctionnements du dispositif et dévoiler les enjeux de pouvoirs des médias liés à la production de certains types de représentation. Plongée dans la matière cinématographique en façonnant de nouvelles modalités et territoires du voir.

Si le journal filmé a tenu un grand rôle dans la constitution d’un cinéma personnel en l’élevant à la forme d’un art, il a rendu possible d’aborder la production autobiographique selon des trames narratives ouvertes et pour lesquels le principe de la continuité linéaire est remis en question.Jonas Mekas a bien sûr ouvert la voie en tissant les temporalités, bien que précédé par Marie Menken, Stan Brakhage qui avaient fait du carnet de notes et de l’esquisse des chemins dans l’élaboration d’une (auto)biographie virtuelle. De même, Hollis Frampton à travers des f(r)ictions, proches de celles, défendues par l’Oulipo , a développé des récits autobiographiques singulièrement codés, qui répondaient à des principes de contraintes et, qui n’ont rien à envier à la programmation informatique. De tels principes définissent les conditions mêmes de l’expérience et font de la projection un processus de conscientisation.

Le premier programme s’articule autour du journal intime autant que du projet autobiographique. La dimension queer est ouvertement revendiquée. L’élaboration d‘une identité passe par la reconnaissance et le partage de différents codes sociaux, politiques, esthétiques. Ainsi la dimension camp surgit au détour du recyclage de séquences de soap des années 50-60 chez Su Friedrich, ou d’extraits de comédies musicales de la même époque chez Matthias Müller. Tout semble opposer les deux films, l’un répond à l’élaboration sophistiquée d’un alphabet inversé à partir duquel des récits nous content l’histoire familiale complexe d’une jeune fille, alors que l’autre film rend compte du travail du deuil et de la renaissance après la mort de l’ami. Dans les deux cas, un récit se constitue bien que, Aus der Ferne The Memo Book ne recourt que très brièvement à la parole et aux mots écrits (des pages de journaux ouvrent et ferment le film) ; il s’agit d’un film dans lequel on ausculte le passé autant que l’expérience qu’on en garde. De son côté Sink or Swim ne saurait s’envisager sans mot, sans texte ; à cet égard l’écriture de la lettre au père sur un lied de Schubert est centrale en ce sens qu’elle condense plusieurs sources mnésiques. L’expérience de chaque cinéaste se manifeste dans la forme qu’il/elle privilégie, le film en est la manifestation réflexive.
La restitution d’une histoire, d’un sujet se fait au travers de la manifestation d’une identité, fragilisée par différents événements dont le film rend compte plus ou moins explicitement. Aus der Ferne illustre cette fragilité en recourant à des images super 8 rayées, froissées, littéralement maltraitées desquelles, émergent parfois, en surface, des corps alors que Sink or Swim déploie un raffinement de nuances et de sensualité en se limitant au seul noir et blanc.

Le second programme travaille deux aspects de la production de la réalité au cinéma. Dans l’un la capture de la réalité répond à une patiente sélection d’un sujet, d’un évènement et de son enregistrement, qu’elle procède d’une seule prise comme c’est le cas avec La vache qui rumine de Georges Rey ou d’une accumulation de courtes séquences avec Formigas Urbanas d’Edson Barrus qui s’apparente à une collection. Dans ces deux films, l’observation constitue l’expérience du tournage et de son visionnement. La dimension ludique n’est pas absente du film de Georges Rey ou dans la danse de singui des coquelicots dans le film de Rose Lowder. L’observation minutieuse des comportements des fleurs, d’une vache, d’être humains portant leurs fardeaux, confère aux films leurs formes. Alors que l’autre versant du programme va souligner la production d’une réalité au moyen du cinéma. L’analyse du dispositif et de ses constituants, déclenche chaque proposition. Le clignotement, la boucle et la répétition au cœur de T.O.U.C.H.I.N.G ou Spacy, alors que la reprise en surimpression légèrement différée des séquences va faire de Water Pulu une médiation cosmique. Les trois films répondent à des contraintes particulières ; un mandala pour le film de Paul Sharits qui travaille sur le clignotement et la répétition d’un mot, une suite de mouvements rectilignes, circulaires et paraboliques, avec Takashi Ito ; alors que la structure du film de Ladislav Galeta excède la partie de water-polo. Chicago de Jurgen Reble propose et dispose de ces deux aspects en nous plongeant dans la poussière de l’image d’un déplacement dans le métro aérien de Chicago. La poussière de films générée par les attaques chimiques du ruban génère le son de Thomas Köner.

Le troisième programme s’intéresse aux relations avec le langage, l’histoire et la politique. Trois films travaillent à partir de found footage et interrogent la représentation de l’histoire autant des pouvoirs, domestiques, militaires, machistes… Avec Secondary Currents Peter Rose interroge les relations entre le langage et l‘esprit et nous plonge dans un monde de non-sens, dans lequel le réseau de relation entre commentaire et sous titre remet en cause le diktat de l’un vis-à-vis de l’autre. Le film envisage de manière critique et ludique les pouvoirs du mot et leurs modes de productions signifiantes. La critique des images et la production de sens sont interrogées en soulignant l’importance du rapport à l’histoire qui nous façonne et son incidence sur nos comportements, ainsi Abigail Child, dans Covert Action, déconstruit une série de films de vacances en dévoilant « l’érotisme par-delà le social » aux moyens de permutations et de variations de boucles visuelles et sonores. Une stratégie similaire est à l’œuvre dans Displaced Person de Daniel Eisenberg, qui à partir de courtes boucles d’un film de Marcel Ophuls travaille l’incompréhensible horreur de la réalité hitlérienne en l’articulant à deux régimes sonores distincts, un quatuor de Beethoven et une conférence de Lévi-Strauss . Valie EXPORT dans … Remote … Remote, de son côté met en rapport une performance en manifestant la violence subie à celle, intériorisée dont on ne voit pas toujours les manifestations externes. Operation Double Trouble se saisit d’un film de propagande de l’armée américaine, prônant les bienfaits du néocolonialisme par ses interventions dites humanitaires. Keith Sanborn déconstruit ce discours en faisant bégayer l’histoire, répétant, chaque plan du film, deux fois. Chieh-Jen Chen dans Lingchi – Echoes of a Historical Photograph, re-visite l’histoire de la représentation du chinois comme barbare et de ses usages par les occidentaux à partir de photographies faites aux débuts du XXe siècle. La déconstruction du regard de l’occidental s’effectue au moyen du sourire du supplicié, qui interroge les projections que l’occident impose aux autres. La déconstruction de la production du sens au cinéma se révèle un outil important dans le façonnage des nouveaux médias à travers l’outil de la programmation .

Le cinéma ausculté c’est ainsi que ce quatrième programme s’appréhende qui recycle des images de toutes provenances, de toutes époques et genres, et ce, quelque soit le support. Du 9,5mm avec sa perforation centrale, ancêtre du 16mm, dans L’operatore perforato joyeusement malmené par Paolo Gioli, en passant par des réductions super 8 de pornos gays, perforé par Luther Price dans Sodom, ou de porno hétéro abîmé, aux couleurs en décomposées dans The Color of Love de Peggy Ahwesh, jusqu’au 35mm scope décoloré par l’habile sorcier Peter Tscherkassky dans Instructions for A Light and Sound Machine. De nombreux usages du cinéma sont examinés, de la publicité en passant par des grands spectacles hollywoodiens (Hoolboom) ou un western italien (Tscherkassky), des films d’amateurs (Gioli), des incunables (Legrice, Hoolboom), des films pornographiques (Ahwesh, Price). Le recyclage et le bouclage sont alors des principes moteurs de la production que les transformations progressives dans Berlin Horse de Malcolm LeGrice les violentes altérations graphiques ou les montages abruptes subvertissent autant qu’elles manifestent des esthétiques et proposent des réflexions sur le cinéma, que le film de Mike Hoolboom : Imitations of Life exemplifie. Il s’agit d’une réflexion sur le cinéma au moyen des films de quelque nature que ce soient qui nous ont façonnés et qui nous ont fait croire à la possibilité d’autres mondes… mais dans ce monde que le cinéma de science fiction nous a promis le cinéma aura-t-il encore sa place ?