Ligne d’eau

First sketch of a new work staging the movements of objects and machines. From one screen to another, without changing quay one changes lines or boats.

In fact the films were often used to live performance, playing with and against the sync of the two screens.

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Première esquisse d’un nouveau travail mettant en scène des mouvements d’objets et d’appareils. D’un écran à l’autre, sans changer de quai on change de rame ou de bateau. Zazie n’est plus dans le métro.

Ligne d’eau (1989) alterne des mouvements d’appareils sur des métros aériens et des péniches sur la Seine. Dans ce film il est toujours question d’investir la résolution d’une forme à partir des figures tels que l’accord, le synchronisme, les phases, et leurs variantes déstructurantes (en apparences) : dissonances, asynchronismes etc. Ce film nécessite au moins deux écrans afin de constituer et d’affirmer des écarts dans les processus. La juxtaposition de deux écrans souligne la fusion potentielle de deux images ou leurs radicales séparations. En question cette notion d’articulation horizontale entre les images et non plus seulement la succession verticale d’un photogramme après l’autre. Le double écran horizontal permet de travailler le divers simultané à partir des similarités ou des variantes déployées d’une bande à l’autre. En ce qui concernes Sans Titre 84, et Ligne d’eau, on est en présence du même matériau pour les deux écrans. Dans un cas avec Sans Titre 84, le montage des séquences diverge d’un écran à l’autre, alors qu’avec Ligne d’eau il s’agit du même film projeté avec un retard de quatre secondes entre les écrans. Ce décalage ouvre des horizons et facilite le croisement et l’enchaînement de mouvements dont la projection linéaire simple n’aurait fait qu’effleurer.

Zazie no longer rides the subway.

VO/ID

VO/ID juxtapose deux textes distincts, l’un en français l’autre en anglais. Les textes interrogent l’art et le cinéma expérimental, le rôle du marché dans le façonnage de critères esthétiques, et la politique actuelle… Dans chacun des textes des mots usuels de l’autre langue surgissent créant une indétermination du mot à tel ou tel discours. Cette indétermination s’accroît par les nombreux jeux de mots créés entre les deux langues. Ce qui entraîne une lecture double: verticale et horizontale favorisée par le mot à mot. La durée d’exposition de chaque mot dépend de la rythmique de chaque langue, mais leur apparition en blanc ou en noir n’y est pas soumise. Face à ces textes, deux sons interviennent et perturbent autrement la concentration requise par les textes projetés. La lecture horizontale des deux discours est souvent en contradiction manifeste avec le signifié de ces derniers. Ce troisième discours visuel est ludique, cassant, se moquant du sérieux du/des discours.

Son : Gilles Deleuze lisant un texte de Friedrich Nietzsche sur une musique de Richard Pinhas et Mick Jagger, Cock Sucker Blues

Œuvre appartenant aux Archives du film expérimental (Avignon), au Musée National d’Art Moderne (Centre Georges Pompidou) et à l’Art Gallery of Ontario (Toronto).

 

VO/ID places side by side two distinct texts, one in French, the other one in English. Both texts deal with art and politics, with politics of art and its market. The field occupied within the art world by experimental film and their makers is investigated. Two distinctive soundtracks (sexuality on one side, philosophy on the other) distract the viewer from his understanding of the written word.
Between the two visual texts, bilingual puns are produced, inducing a third text (language). this new text authorizes a horizontal reading of the film which contradicts the flow offered by the two screens. Word after word the third text makes fun of, a mocking parody of, the seriousness of the Discourse.

Sound : Gilles Deleuze reading a text by Friedrich Nietzsche on a music by Richard Pinhas and Mick Jagger, Cock Sucker Blues

Film belonging to the Archives du film expérimental (Avignon), to the Musée National d’Art Moderne (Centre Georges Pompidou) and to the Art Gallery of Ontario (Torontovoid 001

RR

Deux écrans permettent ici de souligner le paradigme musical dans la mesure où quelle que soit la position que l’on donne aux bobines (droite ou gauche) à la projection, on aura toujours affaire à un thème se développant simultanément avec son reflet. Développement en inversion du même thème que la musique a exploité. L’usage du miroir permet d’éviter la question de la réalité de la représentation. Celle-ci n’a pas d’importance puisque nous sommes dans le royaume du reflet, du simulacre. Impossibilité de déterminer donc qui est le reflet de quoi. Les deux images fonctionnant comme le reflet l’une de l’autre dans un incessant va et vient qui répète, dans une certaine mesure, le parcours que suivent les (faux) panoramiques constituant le film.

Par le doublement en miroir du premier film, RR, dévoile de manière plus explicite la structure musicale implicite sur laquelle il était construit. Les images se mirant, tous écarts entre elles déclenchent de subtiles variations évoquant les combinaisons à partir d’un thème que toute improvisation convoque. Le film propose un développement tel dans sa forme et ses mouvements latéraux que son doublement dans la durée, et sa projection inversée gauche droite souligne les qualités de symétries inhérentes à sa spatialisation, à son expansion.

Œuvre appartenant à une collection privée et aux Archives du film expérimental (Avignon).

En savoir plus sur R, RR et Quatr’un.

1976-85, no specific version, 16 mm, B&W, silent, 24 fps

Any attribution for left and right will always induce a mirror image. It is therefore impossible to decide which screen mimes the other. Both produce a specific experience around the notion of fugue which was so important in baroque music.

Film belonging to a private collection and to the Archives du film expérimental (Avignon).

 

Journaux

Sketches from different locations : in the States, New York mostly downtown, Versailles and its garden on crispy winter day, and different places in Paris. The film ends with a land art piece of Miles McKane.

Journaux super 8

http://www.lightcone.org/catalogue/film.php?film_id=107

Journaux S 8 NY

Principalement des esquisses de différents lieux traversés: les États-Unis, Versailles et Paris. Le film se termine sur une sculpture de Miles McKane.
http://www.lightcone.org/catalogue/film.php?film_id=107

SANS TITRE 84

 

Sans titre  1a

SANS TITRE 84 utilise des photos découpées en bandes verticales, horizontales et diagonales d’un objet hautement valorisé, l’Arc de triomphe de Paris. Chaque photo n’a que peu d’intérêt, elle n’est que le moment d’une série qui se dirige dans deux directions. La sérialisation des photos appelle le temps. La série façonne un temps qui subvertit la photo. Chaque photo des 4 séries (une autour de l’Arc: 24 positions de prises de vues respectant l’inscription au sol d’une étoile à 24 branches, les 3 autres allant vers l’Arc de trois avenues différentes) est banale, standardisée. Le mélange des vues (2 à 2) produit de nouveaux objets qui mettent en place des moments distincts dans la rotation autour de l’Arc. Ainsi des architectures sont-elles invoquées, convoquées dans leurs restitutions différentielles de l’objet initial. L’objet se perd dans son image deux fois doublée et se reconstitue démembré. A chaque fois que le «cher objet» s’approche au plus près de sa configuration perdue, l’autre réapparaît et heurte de son hétérogénéité la belle homogénéité refusée.

sans titres 84 prépa

Œuvre appartenant à une collection privée et au Musée National d’Art Moderne (Centre Georges Pompidou)

 

sans titre 84 prépa 2

Sans Titre 84 employs photos of the Arc de Triomphe which are then cut into vertical, horizontal and diagonal strips. The serial aspect of the photos invokes time, shaping time which subverts the still photos. The Arc transforms itself by coupling with itself. the instantly recognizable identity of the object is thus short-circuited, creating tension in the gaze which seeks to re-establish that lost of identity, for the object gets lost in its twice doubled image and must reconstruct itself, dismembered. The image paradoxically and simultaneously gives of itself in order to withhold. The Arc de Triomphe’s power is such that, even though heavily reworked through the strips, it tends to efface this reworking. Hence the necessity of twinning the screens. Offering a twin, if not identical one, which will attack the « much longed for » (politically, symbolically, touristically) object. Movements are simulated, realm of imitation, simulation of cinema. The film presents false movements. The work of fiction.

« Even more systematic in its découpage, Sans Titre takes as its raw material photos of the arc de Triomphe taken from each of the avenues that join as the star geometry which gave the site its former name of Place de l’Etoile. These views are interwoven using the same type of vertical striping used in Eliclipse: here, because the arch remains the object depicted in each image, a different result is obtained. The structural dismembering and reconstructing of the referential architecture form furnishes a series of new, inventive architectural designs, constructs free of the determining laws of the simple arch form, as well as the symbolic signifiance this monument has garnered. Architecture becomes hypothetical, redefining itself in an imaginary imaging of shifting elements. Displacement is the prionciple taht allows for this realignment of geometries against symbol and function.
Beauvais shows also Sans Titre in double projection which introduces into the reassembled forms a visual doubling. In both versions, the film prposes to divest the image of the monument of its held significations, to erect instead a structured vision entirely based in film montage itself, without title, perhaps, to indicate this effacement of prefigured signifiance. »
Maureen Turim in The Displacement of Architecture, Avant-Garde Films in Cinema & Architecture, Iris n° 12 Méridiens Klincksieck, Paris 1991

Film belonging to a private collection and to the Musée National d’Art Moderne (Centre Georges Pompidou)

Enjeux (Fr, GB, Galician)

enjeux 1

Ce film, reprend le travail entamé par Éliclipse. Au lieu de multiplier les objets, on s’est limité ici, en fonction de l’analyse des travaux précédents, à un seul objet, l’Arc de triomphe. Parmi de nombreuses variations offertes, nous en avons sélectionné une trentaine qui furent découpées verticalement, horizontalement et en diagonale. Le film, très dense, ramassé, tente de façonner la perception au moyen de traitements cinématographiques spécifiques qui accumulent des informations contradictoires, divergentes et paradoxales.

Œuvre appartenant au Network One (Cardiff) et à la French Library (Boston).

https://www.youtube.com/watch?v=JXQaOv-z2jE

« Based on the notion that « history flows through monuments », Enjeux attempts to deconstructs a powerful symbol, the Arc de Triomphe. By cutting photographs of the monuments taken from various vantage points reassembling them ananimating them, the film restructures the architectural elements of the object. Through quetionning the perceptual and the cinematic by working on both the visual and the symbolic, 
creates a paradoxical play on power, representation and pleasure. » Michael Maziere

« The main issue. Power and representation. Representation through a power symbol : an arch. Arc de Triomphe. »yb

Film belonging to Network One (Cardiff) and to the French Library (Boston).

 » Yann Beauvais é o fundador da revista Scratch e de, con Rose Lowder, a distribuidora Light Cone; crítico e promocionador do cinema experimental. O seu cinema, como o de Lowder ou Rhodes, enmárcase dentro do post-estruturalismo/materialismo, na busca de novas estratexias cinematográficas que lle permitan expresar a sexualidade (Lowder e Rhodes como mulleres, Beauvais como homosexual) como en Vo/id (1986). A súa obra pivota entre unha prática máis puramente formal, na que xoga coa fragmentación e o ritmo, e outra máis persoal na que as preocupacións políticas adquiren un maior relevo.

En Enjeux a pantalla fragméntase como en certo cinema de Lowder (Scenes de la vie française [1986]). Cada fotograma está dividido en arredor de quince franxas (horizontais, verticais, en diagonal ou misturadas) a través de cuxa montaxe simultánea percibimos tres planos diferentes do Arco de Triunfo (de frente, desde o ceo e en plano xeral ao final dos Campos Elíseos). Cada franxa recolle un fragmento dun destes tres planos distintos. Nunca se produce continuidade entre elas: as imaxes poden aparecer (en cada franxa) invertidas, desenfocadas, pertencer a outro dos tres planos, etc. Os cambios producidos son rápidos. Cada sección (ou frase musical) sepárase da seguinte con fotogramas brancos, que ao final se alongan e cambian de cor (cores pálidas, rosa).

A cor rosa tinxe ou superponse sobre as imaxes finais, diluindo a fronteira entre unha superposición real e unha “convivencia” de franxas rosas e outras figurativas dentro do mesmo plano. Enjeux é un tapiz formado por tres fíos figurativos e uns poucos máis abstractos. A fragmentación da pantalla é a repetición en bucle levada ao interior do fotograma, o que produce un maior dinamismo visual. Os presupostos son os mesmos que os do cinema de Kren e o de Lowder: como a obra destes, Enjeux é unha película cíclica, anticlimática, eternamente presente e sempre dinámica. »

Alberte Pagán in Introdución aos clásicos do cinema experimental 1945-1990 (CGAC, Compostela, 1999). http://albertepagan.eu/cinema/livros/introducion/#nota

Quatr’un

Quatr’un (Four One) is an expanded version of RR and uses musicals models as paradigm. The central part of each section of the films is based on a transcription of a Bach invention for two voices. The four screens underscores this paradigm in so far as one is always the simultaneous reflection of the visual development of the other, regardless of the position of the reels (left or right) the technique of inversion of a theme so often used in music.

The use of mirroring deliberately sidesteps the question of the reality of representation. It no longer has any importance, now that we’re in the domain of the reflected image, of imitation. The four images reflect one another in a constant back and forth, mimicking to a certain extent the development of the (fake) pans which comprise the film. The pans metaphorically evoke, if only superficially, the keyboard.

 

 

À partir d’une transcription d’une fugue de Bach, son expansion dans une forme à quatre voix. Mise en miroir d’une image, de mouvements et de séquences sur un paysage champêtre qui se dissout dans sa multiplication. Renvois cinématographiques évoquant les compositions classiques de la musique baroque et de son recours au développement fugué en miroir et en inversion.

 

Avec Quatr’un nous sommes en présence de quatre images qui chacune mire celle attenante ; horizontalement et verticalement. Les notions de développement d’un thème, de renversement, de miroir et renversement rétrograde semblent ainsi déployées, comme si quelques unes des figures du discours musical étaient soudain proposé de visu.

- En savoir plus sur RRR et Quatr’un
- Lire DEFILEXHXDEFILMXHXDECADRE de Gilles Royaunnais
- Voir l’installation relative à ce film

New York Long Distance

Fr, En, Pt

Remerciements à Maureen Turim qui m’a suggéré le titre du film.

Ce film personnel fait se côtoyer des représentations d’une ville avec, sur la bande-son, des fragments autobiographiques. La distance du souvenir. La trace de cette distance façonne autant la mémoire que les lieux hantés par tant d’histoires, et fait voler en éclats nos repères. Éclats qui induisent un effondrement dans un tourbillon d’affects.

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Œuvre appartenant à une collection privée

Thanks to Maureen Turim who suggested me the title of the film.

A film about my relationship to New York since 1962. It deals with the distance between a memory and the image of this memory, a distance one always tries to abolish.
In this personal film we see the images of a city from a close distance, with autobiographic fragments on the soundtrack. The distance of recollection. The trace of this distance shapes the memory as much as the places, haunted by so many stories, so that our marks will blow up in a crash. A crash leading to a collapse in a vortex of affects.

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Um filme sobre a minha relação com New York desde 1962. Ele lida com a distância entre uma memória, uma distância que sempre tentamos abolir. Neste filme pessoal, vemos as imagens de uma cidade a partir de uma distância próxima, com fragmentos autobiográficos  na trilha sonora. A distância do registro. O traço desta separação forma a memória, tanto quanto os lugares, perseguida por tantas histórias, de modo que nossas marcas vão explodir em um acidente. Um acidente levando a um colapso em um vórtice de afetos.

English translation voice over from the film track.

Although I arrived in New York the first time by boat, in ’62, my strongest memory is not of the Statue of Liberty (whose significance I’d come to understand later) but rather of the Roger Smith Hotel which for me had all the characteristics of a palace: the height, the grandeur, the imposing lobby, and then that oh-so-mysterious room: « Ten O Two » which was going to be our home for several weeks before we moved to upstate New York.

One day in ’83 coming down Lexington Avenue I noticed that it was right next to Grand Central Station. Was it the memory or the reality that made the splendor, now commonplace, disappear?

A few blocks further downtown, during a particularly frigid winter, a black man lay shot on the sidewalk. I had come to New York in 76 hoping that distance would blot out the emotional disarray of the end of an adolescent passion.

Arrivals in New York but also departures are moments out of time, parentheses. Getting off the plane, I’ve always loved to lose myself in this city, in vertiginous discoveries of other spaces: Christopher Street in ’78, the East Village in ’82.

I didn’t meet my first American lover in New York, but I often saw him there once he had moved back. I stayed with him several times in ’78, ’82, and ’83. He lived in the place formerly occupied by Millenium when it was founded.

A victim of AIDS, he commited suicide when he’d decided he no longer had the physical strength to go on. He held a going-away party; I called him that night to say good-bye, rather than going to see him for the last time.

It was in ’83, staying with Haoui, that I was first confronted by the homeless who were beginning to haunt Second Avenue. Over the years their numbers grew and a new survival economy developed.

In ’74, New York summer meant suffocating heat, the family’s break-up, put off for years, was finally accomplished. I was a witness not really involved in the disappearance; had the family ever existed?

I was upset to meet Patrick on 5th Avenue, he was living in Brooklyn, still painting (houses), and had abandoned his other ambitions. It was the kind of evening one would just as soon avoid. A painful confrontation. A distant echo of a passion of which nothing remained in ’89 except perhaps a fleeting memory.

In ’87, coming back from Buffalo with Miles, I realised that I’d taken this same trip numerous times in ’62 and ’74. Each time had been in the summer, but this time the greenery was not any longer a sign of decay and death.

To know more about New York Long Distance, read Scott Hammen’s article or readNew York Long Distance’s soundtrack.


Film belonging to a private collection

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We’ve Got the Red Blues

« In 1991, beauvais completed an artistically very successful diarist film on the Soviet union, We’ve Got the Red Blues, which mixes travelling footage shot on a trip to Moscow and Riga In October 1990 with repeating visual quotations from Eisenstein’sOctober and Dziga Vertov’ The Man with a Movie Camera. » Lawrence MacDonald.

Intermittent music from Olivier Messian Quatuor pour la fin du temps.

Son : Quatuor pour la fin du temps d’Olivier Messiaen

« Un voyage à Riga et à Moscou à l’automne 1990. Confrontation entre la réalité des lieux et une mémoire cinématographique de certains de ces mêmes lieux.

Glissements d’images ouvrant certains abîmes mineurs.

« We’ve Got the Red Blues est le film que beauvais a rapporté d’un voyage à travers l’ex-URSS, en compagnie de Vivian Ostrovsky, dans les années qui ont immédiatement suivi la chute du mur. À Riga puis à Moscou, sa caméra a été témoin de la mutation en cours (déboulonnage des statues, splendeur retrouvée des églises orthodoxes) et des prémices de décomposition sociale; la vision apocalyptique d’un pays dominé par la misère humaine et l’architecture stalinienne est renforcée par le Quatuor pour la fin du temps d’Olivier Messiaen. yann beauvais avait filmé les jardins de Tivoli en se référant au film de Kenneth Anger : Tivoli vu par beauvais avait des airs d’Eaux d’artifice revu par beauvais. We’ve Got the Red Blues s’appuie sur un mode référentiel identique en citant Vertov et Eisenstein. yann beauvais intègre dans le cours de son montage des images d’Octobre (1927) et de L’Homme à la caméra (1929), utilisant le contraste dramatique provoqué par le passage du temps. L’utopie et l’enthousiasme d’une génération d’artistes convaincus d’édifier l’art d’une société nouvelle face à la déconvenue de notre époque, l’histoire en marche face à la fin de l’histoire, l’espérance face à la désillusion.
Dans We’ve Got the Red Blues, beauvais joue de la conflagration d’images fortement connotées pour rendre compte, sans parole, de sa vision du monde. Il réussit le projet imaginé il y a vingt-cinq ans de développer un langage cinématographique grandiose, sans pour autant négliger une implication personnelle et permanente dans la condition humaine contemporaine. » Jean Michel Bouhours

 

SID A IDS

The appearance of Aids unleashed media hysteria in favor of a rapid return of a moral order.Faced with this situation of denunciation, victimization and discrimination against people living with Aids, this film, using a specific visual form, attempts to articulate a condemnation of the use which is made of the illness, the form is a « cine-tract ». The film reveals itself through its oration, it is in fact a film of words.

Sid A Ids

The use of text allows a distanciation in relation to the effects being used, these are reintroduced by the appearance and treatment of the words which condition the reading of the film, here is the violence of the film which literally partners the act denunciation.
A critique of the arguments and images in other words of the consummation of the words which surround Aids. SID A IDS primarily investigates the reaction to the illness in the context of a French vantage point. The film attempts to favourise an emerging reflection on Aids while remaining within the practice of experimental cinema.

About AIDS, see Act Up

L’apparition du Sida a déclenché une hystérie médiatique à la faveur d’un retour à l’ordre moral effréné. Face à la dénonciation, victimisation et discrimination des malades, ce film tente sous la forme du tract cinématographique d’articuler une dénonciation de l’usage qui est fait de la maladie selon une forme visuelle particulière. Le film se met en scène par son discours ; il s’agit en effet d’un film de mots. L’utilisation d’un texte permet d’instaurer une distance par rapport aux affects en jeux, mais ceux-ci seront réintroduits par l’apparition et le traitement des mots qui conditionnent la lecture du film ; d’où la violence visuelle du film qui accompagne littéralement la dénonciation. Une critique du discours et des images, en un mot de la production et consommation des mots autour du Sida. SID A IDS interroge principalement la réponse à la maladie telle qu’elle a été faite en France. Le film tente de favoriser l’émergence d’une réflexion par rapport au Sida sans mettre hors jeu une pratique cinématographique expérimentale. Film réalisé dans le cadre de SI FILM DA.